UNIVERS INSOLITES...Art, Danse, Culture,Mode,Photographie,Musique, création artistique... ... Certaines photos de nature artistique peuvent éventuellement surprendre un jeune public...Afficher la version web depuis votre smartphone.
Le tableau du XVIIe siècle montre cinq muses de l'Antiquité, nues. L'équipe pédagogique du collège Jacques-Cartier d'Issou exerce son droit de retrait depuis vendredi.
e bâtiment actuel du CCNT date de 1989. C'est un espace d’environ 770 m2 bénéficiant d'un unique studio (pouvant accueillir une jauge de 136 personnes), d'un petit hall et d'espaces de bureau et de réunion restreints. Le cahier des charges et des missions ainsi que l'activité du CCNT ayant largement évolué depuis sa création, ce lieu n'est plus adapté aux activités d'un centre chorégraphique national. Sa situation géographique excentrée dans la ville ne constitue pas par ailleurs un atout en termes d’identification et d’accessibilité.
Le ministère de la Culture ainsi que
la DRAC Centre-Val de Loire ont ainsi mis en place une inspection du bâtiment
menée en 2013. Celle-ci a donné lieu à la remise d’un rapport en février
2014 dans lequel il était notamment préconisé la nécessité de réfléchir à
la conception d’un nouveau projet architectural au plus proche du centre-ville,
afin de contribuer à une meilleure visibilité du CCN de Tours ainsi qu’au
développement croissant de son activité.
Le CCNT et ses partenaires en
investissement (DRAC Centre-Val de Loire, Région Centre-Val de
Loire, Tours Métropole Val de Loire et Ville de Tours) se sont alors
régulièrement rencontrés pour réfléchir à ce projet et se sont finalement
accordés sur la mise en œuvre d’un équipement neuf au cœur de la ZAC
Beaumont-Chauveau, un futur éco-quartier en pleine expansion. Les études
préalables avaient permis d’identifier les priorités attendues par le CCNT et
ses partenaires. Le concours de maîtrise d’œuvre a été lancé en juillet
2017 et remporté par l’architecte Lina Ghotmeh. Le processus s’est ainsi
poursuivi jusqu’à la consultation des entreprises. Malheureusement à l’été
2022, compte-tenu du contexte de crise économique et notamment de l’inflation
conséquente impactant de manière sensible le coût d’opération du projet, la
Ville de Tours - en concertation avec la Région et Tours Métropole Val de Loire
- a décidé de renoncer à ce projet.
Le CCNT et ses partenaires se sont alors de nouveau réunis pour étudier deux solutions alternatives : la réhabilitation de l’outil existant ou la construction d’un équipement neuf, plus sobre et plus modeste dans son programme sur le même site que le projet initial. C’est cette dernière solution qui a été retenue compte-tenu des contraintes fonctionnelles de l’équipement actuel, de son obsolescence certaine et du coût important que représenterait sa réhabilitation. Une nouvelle mission d’assistance à maîtrise d’ouvrage (AMO), diligentée par la Ville de Tours en tant que maître d’ouvrage, est en cours. Elle doit permettre d’affiner le programme resserré de ce futur équipement et donc son coût global.
source article CCNT
Retrouvez tout le programme et la saison 2023 2024 sur le site du CCNT
https://www.ccntours.com/saison
https://www.ccntours.com/nouveau-lieu
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Art danse culture
Que de temps de perdu et surtout d'argent, les politiques en région centre val de Loire,ont souvent un train de retard. les exemples ne manquent pas, le Tram la première ligne est arrivée bien après la plupart des villes moyennes en France. La deuxième ligne est un roman racinaire, avec une augmentation importante de la facture, et des élus écologistes jardiniers du dimanche... Pour le CCNT idem, une indécision, le temps passe, et la facture explose en plus de l'inflation. Ce qui donne un projet revu à la baisse.
la danse, qu'elle soit contemporaine ou classique , cela n'intéresse pas beaucoup les politiques. Décidément la Touraine porte bien son nom, la belle endormie, pas pour le portefeuille du contribuable.
Proust à écrit à la recherche du temps perdu , aujourd'hui nous sommes à la recherche de l'argent perdu.
la culture ne doit pas être une source d'ajustement budgétaire, elle est une source de richesse culturelle et économique.
source Art Danse Culture by Georges Ratineau
ÉCOLE DE BALLET DE SF
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San Francisco Ballet School propose
un programme stimulant, enseigné par des professeurs issus des rangs du San
Francisco Ballet et de compagnies du monde entier. L'École bénéficie de
ses relations étroites avec l'Entreprise. En fait, l'École est un élément
fondamental de l'institution : 73 % des danseurs de la compagnie sont formés à
la SF Ballet School. Nous mettons l’accent sur une technique classique
solide, une fluidité de mouvement et un athlétisme qui suggèrent un sentiment
d’énergie, de liberté et de joie. Ce style, qui reflète le type de danse
privilégié par SF Ballet, s'adapte aux exigences de tout chorégraphe, de toute
compagnie et de tout type de mouvement.
Sous la direction combinée de Katarina
Wester, directrice par intérim de l'école SF Ballet, et de la directrice
artistique Tamara Rojo, l'école a une double mission : former des danseurs de
ballet classique capables de rejoindre les rangs du SF Ballet et d'autres
compagnies de renommée mondiale ; et offrir aux jeunes enfants et adultes
de la Bay Area une initiation au ballet et à la joie de bouger en musique.
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DE REPRÉSENTATION
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Memorial Opera House
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San Francisco, CA 94102
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ÉCOLE DE BALLET DE SF
415-865-6700
school@sfballet.org
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Devenez donateur du SF Ballet et rejoignez une communauté qui vous ressemble. Que vous vous trouviez dans la Bay Area, à l'autre bout du pays ou même à l'autre bout du monde, vous saurez qu'il y a toujours une place pour vous au cœur de San Francisco.
Né à Bristol, il commence les cours de
ballet à l'âge de quatre ans à la Bristol School of Dancing. Il est
ensuite devenu associé junior de la Royal Ballet School et, en 2015, a rejoint
la formation à temps plein de la Royal Ballet School à White Lodge, avant de
progresser vers l'Upper School en 2020.
Au cours de son séjour à l'école, il a reçu le prix April Olrich pour sa performance dynamique, le prix Gailene Stock pour ses progrès exceptionnels et le prix Dame Ninette du London Ballet Circle pour le diplômé masculin le plus remarquable. Il est diplômé de la Royal Ballet School en 2023 après huit ans de formation à temps plein.
photographe Gerardo Vizmanos
Photography
Berlin / New York
Royal College of Art / School of Visual Arts
Je suis un photographe né en Espagne et travaillant entre New York et l'Europe (basé à Berlin). J'ai étudié à la School of Visual Arts de New York et au programme MA Photo du Royal College of Art de Londres. J'ai été récompensé en 2011 par l'International Talent Support en Italie. Mon travail a été exposé et présenté dans diverses galeries et publications.
Dans ma démarche je voyage et rencontre des gens ou des personnes viennent me rendre visite. Quand je photographie, je capture l'instant. Parfois, il y a une direction, parfois il n'y en a pas de spécifique, mais chaque image est toujours une représentation des personnes que je rencontre et de la façon dont cet instant affecte mon imagination. Travailler pendant des mois et des années et voyager souvent sont la base du long chemin vers le progrès.
Mes projets
photographiques abordent d'un point de vue personnel des aspects de la façon
dont nous devenons un. La mémoire créée par les émotions de temps en temps et
par mes idées sur l'utopie et ce qui est possible sont des éléments communs que
j'utilise pour créer mes œuvres.
Le processus
de ma photographie est analogique combinant différents types de formats et
d'appareils photo et travaillant en chambre noire.
Interviews sur mon travail :
Ce sont mes coordonnées pour les ventes, les travaux et les collaborations
et pour en savoir plus sur mon travail et mes projets.
https://metalmagazine.eu/en/post/interview/gerardo-vizmanos-the-strength-in-weakness
https://www.instagram.com/p/CY6PfoWtkFP/?hl=fr
je remercie très sincèrement , Gérardo Vizmanos, pour la photo de présentation de mon blog . By . Art Danse Culture
« J’ai à cœur d’envisager la
danse comme une passerelle pour créer du lien et de l’émerveillement, convaincu
qu’en sortant la danse des théâtres, elle peut être un outil intéressant pour
se réapproprier son corps, éduquer, expérimenter le collectif et certaines fois
soigner. C’est la raison pour laquelle je me rends depuis 2017 à l’Hôpital
Necker pour danser pour les enfants, leurs parents, les aidants et les
soignants.
En 2022, j’ai créé l’association Hugo
Marchand pour la Danse afin d’offrir des spectacles d’exception
accessibles à tous, au tarif unique de 13€ et faire de lieux emblématiques
du patrimoine local, des acteurs vivants de la culture, en les transformant le
temps d’un week-end en sublime écrin pour les danseurs de l’Opéra de Paris.
Pour permettre au plus grand nombre de
découvrir la beauté et la richesse de la danse classique et contemporaine, 7
artistes d’exception investiront avec moi, plusieurs fois par an, les cours et
jardins de nos châteaux français. »
Danseurs Étoiles :
Léonore Baulac, Dorothée
Gilbert, Germain Louvet, Hugo Marchand, Marc Moreau.
Premiers Danseurs : Bleuenn Battistoni.
Musiciennes : Elena Bonnay, Ophélie Gaillard.
Les artistes sont invités à se
produire dans Les Étoiles au Château à titre individuel par Hugo
Marchand pour la Danse.
Direction artistique :
Hugo Marchand / Production : Alexandra Cardinale Opéra Ballet Production / Administration et comptabilité : Catherine Meunier / Responsable communication : Leslie France–Cornette Paris et Alhan Bosca / Direction technique : Lo Ammy Vaimatapako / Relations presse : Claire Marsden.
Hugo Marchand commence la danse à l’âge de 9 ans, au Conservatoire de Nantes. Quelques années plus tard, il gagne la médaille d’or du Conservatoire et entre à l’école de danse de l’Opéra de Paris en 2007. Il intègre la compagnie de l’Opéra de Paris en 2011.
Il danse les grands ballets du répertoire de l’Opéra de Paris mais a aussi la
chance de participer à de nombreuses pièces plus modernes chorégraphiées par
William Forsythe, Crystal Pite, Hiroshi Sugimoto, Mats Ek, Angelin Preljocaj,
Jiří Kylián…
Interview de l'Étoile Hugo Marchand
Il explique comment la chorégraphie de Jérôme Robbins, à travers sa gestuelle et sa sensualité, permet de mieux entendre la richesse et les couleurs de la musique de Ravel.
À l’occasion du spectacle Jérôme Robbins à l’Opéra national de Paris, Hugo Marchand interprète le ballet En Sol. Le danseur Étoile évoque le décor de plage ensoleillée signé Erté et les costumes de bain de cette œuvre créée en 1975 sur le Concerto en sol de Ravel, et la façon dont il aborde le langage du chorégraphe qui mêle virtuosité et divertissement. Abordant son travail en studio de répétition avec la danseuse Étoile Hannah O’Neill, Hugo Marchand explique comment la chorégraphie de Robbins, à travers sa gestuelle et sa sensualité, permet de mieux entendre la richesse et les couleurs de la musique de Ravel.
BALLET Jérôme Robbins
Palais Garnier - du 24 octobre au 10 novembre 2023
Compagnon de route de George Balanchine et chorégraphe
de West Side Story, Jerome Robbins est une figure majeure du
néo-classicisme américain. Trois de ses œuvres au répertoire du Ballet de
l’Opéra national de Paris soulignent son mélange inimitable de légèreté et
d’esprit. Sur les sonorités jazzy de Maurice Ravel, En Sol lance un
clin d’œil complice aux comédies musicales de Broadway dans un décor de plage
ensoleillée. Dans l’écrin lyrique des Nocturnes de Chopin, In
the Night met la technique classique au service d’une émouvante narration.
Trois couples donnent corps à trois moments de vie amoureuse : la découverte,
l’épanouissement et le trouble, sur fond de nuit étoilée. Sous-titré « Les
malheurs de chacun », The Concert met en scène des personnages que
l’on dirait échappés d’une bande dessinée dans une suite de sketchs expressifs
et pleins d’humour.
Sur scène peu de chance que cela vous arrive, vous serez trop concentré sur votre chorégraphie, l’intensité de l'effort, le public, le stress, vous aurez la tête ailleurs, et puis même ce n'est pas grave, ils en parleront dans les gazettes et des coulisses.
La question de l’érection est banale et récurrente.
Elle est dans l’esprit de tous les débutants. Avoir une érection est un phénomène normal, ce n’est pas honteux et c’est arrivé à tout le monde. Il y en a à qui ça n’arrive jamais, d’autres peu, et d’autres tout le temps !!! C’est normal, jamais aucun professeur n’exclura normalement un danseur dans cette situation, sauf exception des professeurs un peu coincés, cela dépend de l'état d'esprit de la personne.
Un homme nu ce n'est pas toujours très beau, le collant apporte une touche de sensualité pour un homme, le collant en danse permet de voir tous les muscles et la position du danseur pour une parfaite harmonie du corps. Il faut bien porter le collant avec style et élégance, ça ne convient pas à tous les physiques.
Le but n'est pas de faire du sexe ici,
certes ce sujet intéresse beaucoup de monde.
Je l'aborde sans tabou, à chacun de se faire une idée sur le sujet.
Il est bon de rappeler, que les danseurs ne sont pas tous gays, ils portent un collant moulant, la grande majorité des gays ne portent pas de collant ! Il n'y a pas plus de gay chez les danseurs, que chez votre boucher, médecin, avocat, journaliste, commerçant, etc.
Retrouver l’article, avec les photos des artistes, danseurs, l’article est paru en 2014, sur Art Danse Culture, rubrique article les plus consultés.
By Art Danse Culture
source photo FNAC
Thomas Lebrun - Composition savante et culture populaire en danse contemporaine (et vlan !)
Un ouvrage tout entier consacré à l'univers du chorégraphe Thomas Lebrun, directeur du CNC de Tours, alliant pour les 20 ans de sa compagnie le savant et le populaire avec humour.
« Thomas Lebrun », portrait d’un chorégraphe à la trajectoire strictement excentrique
L’ouvrage, réalisé sous la direction du journaliste Philippe Verrièle, revient sur les pas du directeur du Centre chorégraphique national de Tours et sur la transformation de son corps en un « outil de subversion », qui « dynamite les conventions ».
Livre. Excentrique et strict. Entre
les deux, commençons par l’excentrique. C’est sous ce jour-là, fantaisiste,
débordant, que nous est d’abord apparu le danseur et chorégraphe Thomas Lebrun,
directeur du Centre chorégraphique national de Tours depuis 2012. Vite, le côté
strict a surgi pour tempérer et même carrément tordre l’image de l’artiste.
On se souvient de pièces follement
burlesques comme Le Show/Un twomen show (2000), conçu en complicité avec le
Suisse Foofwa d’Imobilité ou encore La Trêve(s) (2004), show pour princesses en
mode gueule de bois. Et lorsqu’on les juxtapose avec des spectacles intensément
graves, dont La Jeune Fille et la mort (2012), Lied
Ballet (2014), créé au Cloître des Carmes dans le cadre du Festival
d’Avignon, ou encore Mille et une danses (pour 2021), cette fibre comique
se déchire pour laisser transparaître une rigueur nette.
Cette personnalité apparemment
tiraillée, dont les humeurs se jouent des antipodes, est auscultée sous tous
ses aspects dans le livre intitulé Thomas Lebrun (éditions Riveneuve,
180 pages, 25 euros), sous la direction du journaliste Philippe Verrièle.
Le sous-titre, Composition savante et culture populaire en danse contemporaine
(et vlan !), réverbère cette tension présente dans l’homme et son œuvre,
aujourd’hui riche de plus d’une centaine de spectacles. Découpé en quatre
séquences dont la troisième explore précisément la « danse comme culture
populaire », cet ouvrage tangue joyeusement entre différents auteurs
(Amélie Blaustein, Christophe Martin, Antonella Poli, Nathalie Yokel,
Christophe Apprill et Sophie Lesort) sur les traces de Lebrun chaloupant entre
les styles et les identités.
Un « physique hors normes »
Son humour et son sens de la dérision,
qui appartiennent, selon Verrièle, à la « veine carnavalesque » dans
ce qu’elle implique de « retournement des valeurs et usages de référence
dévalorisés par la culture dominante », sont portés par un corps loin de
la minceur standard du danseur. Et c’est « ce physique hors normes »,
transformé en « outil de subversion » qui « dynamite les
conventions de façon bien plus radicale que les affirmations en réalité
infiniment plus conventionnelles sur le respect des genres ou les différences
ethniques ».
source le monde
Un livre sur Thomas Lebrun aux
éditions Riveneuve
EN LIBRAIRIE DÉS LE 21 SEPTEMBRE ET
DISPONIBLE AU CCNT !
21/09/2023 - 10H00
Nous avons le plaisir de vous informer
de la parution de "Thomas Lebrun : composition savante et culture
populaire en danse contemporaine (et vlan !)" aux éditions
Riveneuve.
Édité dans la collection "L'univers d'un chorégraphe", dirigée par
Philippe Verrièle, journaliste, critique et écrivain, cet ouvrage dévoile le
parcours chorégraphique de Thomas Lebrun en croisant regards personnels,
critiques et écritures diverses. Le tout est accompagné de 40 photographies de
Frédéric Iovino. À découvrir au plus vite !
Dès ses premières œuvres,
disons La trêve(s) (2004), critique aussi décomplexée que déjantée
d’une certaine vie à la lumière de la télé, Thomas Lebrun déroute le milieu
chorégraphique qui n’aime rien tant que les catégories bien claires pour bien
ranger les artistes. Or, Thomas Lebrun déborde, passe les bornes et met un soin
méticuleux autant qu’aléatoire à ne jamais répondre aux injonctions. À peine
a-t-il satisfait la tendance actuelle à interroger les formes de danses
sociales, posant un regard ironique et tendre sur la faune des discothèques
avec Les rois de la piste (2016) que la doxa se rue sur
l’opus pour en souligner combien, dans la lignée des fameuses Soirées What
You Want ? (2006) du même trublion, il pose de questions à la musique
populaire et à son usage… Ce qui réjouit la critique, ravie que ses catégories
s’appliquent et que Thomas Lebrun appartienne au genre populaire et rigolo !
Donc, immédiatement, le même Thomas Lebrun crée sur une partition de Philip
Glass : Another look at memory (2017), formidable composition
chorégraphique qui, à partir d’un travail sur la sédimentation du geste dans le
corps des interprètes, recompose l’espace à partir de ces mêmes corps… Le genre
de contrepied stylistique pas possible ! Lui répond en substance qu’entre ses
raffinements et ses plaisanteries, il n’y a pas à choisir ! Parce que choisir,
c’est se restreindre et parce que c’est comme cela… C’est ainsi que Thomas
Lebrun développe l’une des œuvres les plus passionnantes de la danse
d’aujourd’hui parce qu’à la fois d’une qualité de texture gestuelle rare et
d’un humour théâtralisé autant que potache délicieux et précieux. Une œuvre qui
se nourrit savamment de culture populaire, rit des préciosités savantes et
mérite d’autant plus l’analyse.
